THE BEATLES – REVOLVER (1966)
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A principios de 1966, los Beatles se encontraban en la cima del mundo. Con discos que vendían cientos de miles de copias y giras multitudinares en toda Europa y Estados Unidos, el cuarteto de Liverpool a la par de súper famosos, comenzaron una larga curva de madurez que les impactaría tanto en lo profesional como en el aspecto personal.
Pocos meses antes, durante una entrevista John Lennon comentaría, embebido por el grado descomunal de atención mediatica y crecimiento artístico, que la banda era más grande y famosa que Jesucristo, lo cual les ganó el repudio de un sector muy grande no sólo en Inglaterra, sino de varias partes de mundo. Asimismo, los incidentes en sus conciertos serían más frecuentes, como algunos conflictos ocurridos en Japón y otros más en varias ciudades de la Unión Americana. Además, la relación entre los integrantes comenzó a sufrir un desgaste importante. Cada uno inició un proceso personal de apertura a sus propios intereses, componiendo un surtido de temas por su cuenta, mermando poco a poco su metodología creativa, en especial entre Lennon con Paul McCartney.
Sin embargo, cuando los Fab Four volvieron a los estudios EMI en Abbey Road para iniciar las grabaciones de su séptimo álbum, las condiciones fueron en extremo distintas. Si bien Rubber Soul mostró una evolución considerable con respecto a su sónico clásico, este opus, que ganó forma entre abril y junio del ´66, rompió todas las barreras de lo establecido en la música pop, añadiendo además, una nueva herramienta para expandir su paisaje experimental: el estudio en sí.
Revolver presentó un cambio estilístico mayúsculo, iniciando la etapa psicodélica de la banda e incorporando algunas de sus mejores canciones hasta ese momento. Influenciados principalmente por la ingesta de LSD, incorporaron una variación musical extrapolada en manipulación de cinta, loops y grabaciones procesadas en reversa, pistas dobles automáticas que doblaban el sonido, generando contrastes embarnecidos y delirantes, así como la conjugación de extrovertidos y elegantes arreglos de cuerdas, motivados por la influencia intelectual de la contracultura londinense.
En cuanto al eje temático del álbum, las letras, más personales y reflexivas, involucraron un estado de consciencia alterado, que capturaba la esencia de su época en experiencia y dedicación social.
El álbum salió al mercado el 5 de agosto, convirtiendose en un triunfo automático, sobre todo por el recibimiento que le brindó la crítica especialida, por su exquisita mezcla de rock, pop de cámara, toques de música india, fuerte R&B y psicodelia pastelosa. Mostrando al grupo en excelencia con sus ideas y capacidades musicales, se consagraron como los compositores más representativos del siglo XX (quizá un mote exagerado, quizá no, depende quien aprecie estas palabras). Además, también significó un quiebre importante en su trayectoria: la despedida de los escenarios con un espectacular concierto el 23 de agosto en el Shea Stadium de Nueva York.
La primera sorpresa llega de mano de George Harrison, quien para entonces, dejó de ser una voz silenciosa para erigirse como un elemento sobresaliente de la banda, y para muestra, el tema de apertura Taxman, un torrido rock n´roll de leve distorsión y compases fracturados, corriendo sobre un flujo melódico de versos reiterativos con vocales curtidas y limpias, sin embargo, su letra abordan el tema de los impuestos abusivos establecidos por el gobierno laborista de la época, resultando en una critica ácida como resiliente. Punto a favor, ese magnífico solo de guitarra a cargo de McCartney (procesado al reverso y dejado correr).
La elegante y desolada Eleanor Ribgy se aleja del estándar de canción romántica para introducirnos en la historia de varios personajes cuya existencia sirve de espejo para "los peligros de la soledad y la mortandad". McCartney ejecuta todas las voces, aunque el resto de los Beatles colaboró con melodías y frases para la letra, no participan tocando ningún instrumento; en este caso, el productor George Martin se encargó de la composición y dirección de un octeto de cuerdas, logrando un resultado ominoso, gélido y fúnebre.
I´m Only Sleeping es un excelente corte folk rock de efectos lisérgicos, con su base rítmica empañada y guitarras neblinosas, donde las irrupciones de coros y efectos incidentales, ejemplifican a la perfección su esencia despreocupada, y sin embargo, a pesar de su relato en el que pide "no interrumpir su descanso", Lennon entona un llamado angustioso y oscuro de crisis personal en medio de un "sueño" de drogas.
Love You To es una inmersión completa e integral en la música hindú, con esa generosa y brillante cítara y percusiones de tabla, desplegando una reflexión dura sobre la materialidad entumecedora, añadiendo punteos rústicos de guitarra eléctrica y pedales con fuzz, además de una limitada contribución de Ringo y Paul, este es un corte básicamente grabado por George.
Here, There and Everywhere es una hermosa balada nocturna dedicada a la novia de Paul en ese entonces, y a su experiencia como escritor de canciones románticas, aunque, en esta ocasión, se vio influenciado por el sonido general del acolchado Pet Sound de los Beach Boys, en una indirecta competencia con Brian Wilson. Las vocales y melodías de McCartney resultan sublimes e inapelablemente eternas.
La cuando menos divertida Yellow Submarine es un festejo naval bocalicón de efectos fortuitos y sonidos añadidos como vasos chocando, campanitas, silbatos y algunos instrumentos de viento para darle una esencia más grande y alegre. Surgió de un sueño de Paul y con los debidos ajustes entre éste, Lennon y el compositor escóces, Donovan, terminó como el tema de cuota para que Ringo participará la voz principal.
La vibrante She Said She Said es un rock de contrastes, otra vez lisérgicos, en su doblete controlado pero vertiginoso de guitarras contextuales, armonías vocales, casi lúdicas, pero cargadas de la experiencia fantasmal con el LSD, en la que se retoma una conversación entre Lennon y el actor Peter Fonda, y su extraño discurso acerca de una experiencia cercana a la muerte.
Good Day Sunshine es un cálido corte de piano con influencia vodevil, con divertidas métricas y solos de teclados ragtime, evocando a suaves amaneceres de un sol cremoso tras el cielo aperlado. El corte, querendón y desenfadado, es uno de los puntos más fuertes en el álbum, gracias al carisma de Paul como escritor de canciones espectacularmente pegajosas.
And Your Bird Can Sing sobresale por su riff ascendente y percusiones saltarinas, el esplendido trabajo cohesionado de guitarras solistas y movimientos compactos que suturan el flujo magéntico en las vocales, un tanto desesperadas, donde la letra, escrita por John y Paul, infieren a Frank Sinatra y su estatus de súper estrella que puede conseguir lo que quiera en el momento que le de la gana; aunque, secretamente, su significado simbólico también aborda los siete estados de la existencia.
For No One es otro tema orquestal de Paul con arreglos de George Martin, contando únicamente con Ringo en la batería. Es sin duda, una pieza reluciente, sofisticada, curtida en intensidad preciosista y desorientadora, ya que tenemos una letra inspirada en la tristeza, en el quiebre de su relación con la actriz Jane Asher, transmitiendo esa desesperación que desgarra inequivocamente el corazón.
Doctor Robert complementa la trilogía de Lennon sobre drogas, evocando a un misterioso dealer de metanfetaminas, en dosis de pildoras como inyecciones. Las guitarras mantienen una línea melódica sostenible, salvo por las irrupciones de órgano que le brindan cierta emotividad, mientras el doblaje de voces y coros celebran el servicio comunitario de este personaje.
I Want To Tell You es un intrincado rock melódico que asciende en sus coros intensos y efectos tribulados con guitarras rígidas, el piano es un logro emancipado, en tanto las escalas vocales resultan objeto directo de estudio por su excelente ejecución. La letra de Harrison resulta un despliegue filosófico pop acerca de la experiencia trascedental que ganó a partir de su ingesta con LSD.
Got to Get You Into My Life es un triunfo festivo, influenciado por el sonido motown de Stevie Wonder, donde el bajo galopante se une a los arreglos de metales victoriosos, dotando de una intensidad poderosa que salpica a las vocales con apuro, renovación y exaltados discursos de arropado pop cosmopolita.
Tomorrow Never Knows condensa una nueva manera de comprender la música. El corte es precursor a toda una ola de nuevas grabaciones en las cuales se experimentaría con patrones y configuraciones intrincandos a más no poder. Aquí es el inicio marcado y técnico de la psicodelia dura, un viaje extra corporal de la consciencia, en el que la cinta manipulada en reversa y echada andar, presenta síncopas torridas, visitudes de guitarra invertidas, capas de voces procesadas y bucles repetidos en exceso, todo, sobre una base de melodías hindus, mellotrón y altavoces constipados. En 1966 se abrió una ventana al futuro y los Beatles fueron las manos y ojos que dieron acceso a la experimentación más intrepida por venir.
Revolver es un álbum fundamental, único en su haber, la evolución necesaria en la trayectoria de los Fab Four, sirviendo de trampolín para adentrar al escucha hacia causes cada vez más complejos pero disfrutables, vertidos en una placa tan precisa como trascedental.
Tracklist:
1.- Taxman
2.- Eleanor Ribgy
3.- I´m Only Sleeping
4.- Love You To
5.- Here, There and Everywhere
6.- Yellow Submarine
7.- She Said She Said
8.- Good Day Sunshine
9.- And Your Bird Can Sing
10.- For No One
11.- Doctor Robert
12.- I Want To Tell You
13.- Got to Get You Into My Life
14.- Tomorrow Never Knows
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